En todo internet ya se habla de la faceta visionaria de Yvan Delporte (* 1928 – † 2007), editor y guionista de Éditions Dupuis y co-creador de los pitufos junto a Peyo.

Pero… ¿Por qué visionario? ¿Por qué poner a un guionista de comics infantiles (con todos los respetos, se entiende) casi al nivel de Julio Verne?

Veamos:

Durante décadas todo el mundo creyó que George A. Romero fue el precursor del subgénero del cine de zombies-infectados-caníbales-agresivos, que estableció un antes y un después en el cine de terror y dinamitó el personaje zombie creado por magia negra (y llevado al cine por Victor Halperin en “White Zombie”, con Bela Lugosi).

FALSO!

Sólo hay que echar un vistazo al álbum “Los pitufos negros” para darse cuenta de que Peyo y Delporte crearon el género, aunque en cómic, nueve años antes (1959) en la primera historia donde los Pitufos eran protagonistas absolutos.

En ella, los pitufos se enfrentan a una amenaza que puede acabar con su pueblo: La mosca “Bzz”, que tiene más mala leche que la tsé-tsé, transmite una enfermedad que convierte en un pitufo negro y rabioso a todo pitufo a quien pica, y además todo pitufo infectado que muerda a otro pitufo se convertirá a su vez en un pitufo negro.

En la historieta vemos prácticamente todos los tópicos que han marcado el género zombie/infectado a lo largo de su historia, a saber, un contagio vírico (pienso sin ir más lejos en 28 días después) de origen desconocido (La noche de los muertos vivientes), el zombie capturado para experimentar con él, iniciativa que saldrá como el culo (El día de los muertos), el zombie pensante capaz de trazar estrategias (La tierra de los muertos vivientes, El regreso de los muertos vivientes) y así tantos otros.

La admiración que despierta en mí G. A. Romero, aún costándome horrores perdonarle las dos últimas entregas de su saga me impide afirmar que es un farsante, pero no puedo evitar preguntarme ¿Es posible que hubiese leído “los pitufos negros”?

¡Pero esto no termina aquí!

En 1970, Delporte y Peyo lanzaron “El Cosmopitufo” y a día de hoy resulta cuanto menos chocante su argumento, más aún si consideramos que su publicación fue un año después de la llegada del hombre a la luna.

Su sinopsis:

El Cosmopitufo es un soñador. Vive con la ilusión de alcanzar las estrellas, volar por el espacio a otro planeta, por lo que decide construir un cohete (a pedales, el muy inocente) que le hará salir de la atmósfera y viajar por el cosmos.

Por supuesto, el Gran Pitufo (no “Papá Pitufo”, no jodamos) sabe de antemano que el invento jamás funcionará, por lo que para no desilusionar al Pitufo Soñador le narcotiza y con ayuda de todos los pitufos transporta el cohete a un paraje desértico y da a beber a toda la tribu un brebaje que les convertirá en unos seres distintos.

El pitufo soñador creerá que que ha viajado a otro planeta, sin darse cuenta de la farsa

A estas alturas ya habréis adivinado que este argumento es una clarísima premonición de las dudas que recientemente han salido a la luz acerca de si el hombre había o no llegado a la luna.

Quizá Delporte jugase con ventaja al incluir de manera taimada esta duda conspiranóica en una historieta infantil, un medio al que difícilmente la NASA o el gobierno estadounidense prestarían atención, colando el mensaje de manera subliminal en la mente de millones de niños, los cuales años después pondrían en tela de juicio la veracidad de las imágenes que el 20 de julio de 1969 llegaron a todos los hogares del mundo.

Las preguntas son varias:

¿Cuántos habrán caído en la cuenta de que la duda vino inducida por los mismísimos pitufos?

¿Qué resortes psicológicos accionaría Delporte en su guión para penetrar en la mente de los niños y que la conspiración se activase con efecto retroactivo?

¿Calcularía Delporte el momento de su muerte para salir indemne de la conspiración?

¿Es en definitiva, el golpe perfecto contra los delirios de grandeza del ser humano?

Para que luego se ponga en duda el poder del cómic como medio de comunicación…

Fe de erratas: Leyendo la entrada que Ivanchu ha publicado el su Gruñiverso me he dado cuenta de que “los pitufos negros” se publicó en 1963 y no en 1959, que fue en realidad cuando aparecieron las primeras historias cortas de los pitufos antes de “los pitufos negros”, que fue sus primer album largo como personajes principales. Sorry!

El cómic español no llegó a a gozar de buena salud a nivel autoral, hasta el fin de la dictadura de Franco, la tan ansiada transición política. El autor de cómic medio hasta entonces había sobrevivido (o mejor dicho malsobrevivido) en agencias de cómic “en serie”, trabajando con guionistas que ni siquiera conocía, muchas veces en series que ni siquiera le gustaba, por cuatro perras y sin acreditar su trabajo a pie de página.
Esta situación se daba casi exclusivamente en el cómic “serio”, mientras que la mayoría de autores de humor infantil vivían una era dorada, con gran cantidad de revistas en el mercado y todo el trabajo que querían, mejor remunerado y sobre todo más reconocido.
Son los casos de Francisco Ibáñez (mortadelo y Filemón), Josep Escobar (Zipi y Zape, Carpanta), Martínez Schmidzt (El profesor Tragacanto), Peñarroya (Don Pío), Vázquez (Anacleto, Las Hermanas Gilda) o Bernet Senior (Doña Urraca).

En muchas ocasiones estas historietas contenían una carga social bien disimulada bajo una gruesa capa de humor y aparente inocencia, sobre todo gráfica, que parecía pasar por debajo de la voraz tijera de la censura. Curiosamente, los tiempos dorados de los “tebeos” correspondían a los tiempos más negros de la historia de España en el siglo XX: La postguerra. De los mejores ejemplos que tenemos es el de Carpanta, de Josep Escobar, en el que se retrataba desde, filtrada por el prisma de la comicidad, una época en la que el hambre asolaba el país, existían las cartillas de racionamiento y el estraperlo era una de las actividades más perseguidas. Triste situación la de un país cuando su gente necesita “camellos” de pan.

Eran tiempos en los que por lo que valía un tebeo uno se iba al cine, compraba pipas y aún le sobraba para una caña. El tebeo, aparte de no pasar por el aro del oscurantismo cultural que imponía el régimen (cito a Ethan Coen: “Ya sabe, es para críos”), era el medio ideal para mantener ocupada la mente del ciudadano, sobre todo el de los niños, con sus dosis de humor ante la desesperante situación que ofrecía el país. Otros tebeos, promocionados por el régimen como “Roberto Alcázar y Pedrín” gozaban de una salud envidiable, pues el fascista investigador de tan evocador apellido estaba destinado a ser modelo de comportamiento para los niños. También otros personajes como “Capitán Trueno” o “El Jabato” impartían los valores heredados de los Reyes Católicos y Don Pelayo, siendo los personajes fieros luchadores contra la “Amenaza Sarracena”.

Pero durante el tardofranquismo y la transición surgió una hornada de autores valientes y rabiosos que, tras años de silencio forzado por lo ingrato del trabajo anónimo en agencias, aparte de lo peligroso de mostrar tendencias políticas no afines al régimen, empezaron a hablar alto y claro a través de sus viñetas.
Hablo en especial de CARLOS GIMÉNEZ, Que durante tres décadas ha ido mordiendo el culo del sistema desde la izquierda más radical y aún hoy refrescándonos la memoria acerca de los acontecimientos que marcaron, más para mal que para bien, el país y más concretamente su Madrid natal.

PARACUELLOS

Carlos Giménez (Madrid, 1941) nació en una humilde familia, de padre republicano que murió siendo él un crío. A la muerte de éste y dada la mala salud de su madre, pasó toda su infancia en varios internados de “Auxilio Social”.
Sobre ésa época de su vida versaba la obra que le hizo famoso tanto en españa como en el resto de Europa, “Paracuellos” (1977), que le debe el título al Hogar en el que estuvo recluido la mayor parte de esos 9 años.

En la serie (consta de seis álbumes hasta el momento) narra en muy diferentes tonos anímicos, a saltos entre la comedia y el drama más desgarrador, los años que pasó interno en los hogares de Paracuellos del Jarama y García Morato.
La represión, el hambre, los castigos más crueles eran el temario de las escuelas-hogar de “Auxilio Social” y son desgranadas sin piedad anécdotas que ponen la piel de gallina.
Vemos impotentes cómo esos pobres críos pasaban hambre y sed. Cómo guardaban los chuscos de pan duro para usarlos como moneda de cambio o para almacenarlos y darse una atracón en Navidad. O la descomunal paliza que les dieron a Carlos y a un amigo suyo porque los pillaron durmiendo en la misma cama después de un atracón de pan duro y contarse unos cuentos. “Los impuros”, les llamaban las monjas del demonio.

En “Paracuellos” se da uno cuenta de que Carlos Giménez sabe contar historias al ver que estas se desarrollan con fluidez en una composición de páginas tan sobria que no hay ni siquiera “calles” entre las viñetas. En los sucesivos tomos el diseño de página se fue actualizando, por eso destaca la sencillez del planteamiento narrativo de las primeras historietas.

BARRIO

A los 14 años salió de la vida de los internados para volver a su barrio, donde encontró trabajo como aprendiz en un taller de cerámica.
De esa época nos habla en su segundo álbum autobiográfico, “Barrio”. Es una tan emotiva como “Paracuellos”, pero suaviza el tono de la narración a una tragicomedia de tintes más nostálgicos, ya que si bien el país no estaba en su mejor momento, ése era el mejor momento que había conocido, la libertad.

Las aventurillas de poca monta de los amiguetes del barrio, el jefe, los primeros pitillos se mezclan con la memoria de la represión policial del régimen, el oscurantismo cultural, y la doble moral en una combinación más ligera que en “Paracuellos” pero igualmente refrescante para la memoria.
En “Barrio” nos cuenta el primer día que pasó en casa de su madre después de salir del “Hogar” y de cómo se atracó de todo lo que tenía en la nevera su madre (poquita cosa, por otra parte, gajes de la postguerra) porque en el “Hogar” sólo comían garbanzos y además no sabía leer el reloj porque no tenían relojes en “Auxilio Social”.
También cómo el padre de la Pepi, que era un hijoputa, la dejó preñada y se la llevó al pueblo. O el Poli, que era un ñarra con una boina y nunca decía a nadie su nombre porque era tan feo que parecía una venganza.
Recientemente Glénat ha publicado el tercer tomo de esta serie.

LOS PROFESIONALES

Carlos Giménez comenzó su carrera profesional en 1959 en el estudio de Manuel López Blanco, donde realizaba historietas para la agencia Ibergraf.
Sus primeras series en el estudio fueron “Drake & Drake” y “Buck Jones”.
Más tarde forma estudio en Madrid con Esteban Maroto y Adolfo Usero.
Viaja a Barcelona para incorporarse a la agencia Selecciones Ilustradas, de Josep Toutain, que más tarde fué el artífice del Boom de los años 80 con publicaciones como Creepy, 1984 y Comix Internacional.
De la época que pasó en Selecciones habla en los tres álbumes de la serie “Los Profesionales” y el último de la serie que se tituló “Rambla arriba, Rambla abajo”

En la obra da un repaso a la colección de descacharrantes putadas que se hacían los dibujantes en el estudio, como al pobre Josep Mª Abé (Por Beá, autor de “Historias de la taberna galáctica”), que se incorporó con 14 años al estudio como aprendiz y le hicieron creer que tenía que venir un boxeador a pegarles una paliza a los novatos para que se fueran acostumbrando a la durísima vida del dibujante.
También cuenta sobre las revistas de pin-ups que Redaños se llevaba del archivo de Gonzalo González (Por Fernando Fernández, autor de “Drácula”, seguramente la mejor adaptación del mito en cómic) y se las devolvía llenas de manchas “de café”, decía. Hasta que Tony Tano se trajo su detector de mentiras.
Esta es una obra imprescindible, una comedia coral con multitud de personajes que siempre tienen algo que contar, hilarante hasta la lágrima, en las antípodas de sus primeras obras autobiográficas, aunque no está exenta de la inevitable aunque ligera carga social que como cronista le imprime.

La serie consta hasta hoy de cinco tomos, reeditados por Glénat.

Todas las historias de las series “Paracuellos”, “Barrio” y “Los profesionales” son completamente reales y vividas por el autor.

CONTINUARÁ

Costó lo suyo que el cómic se reconociera como un arte. En el salón del cómic de Barcelona, a principios de los 90, se reivindicaba el medio como “el 9º Arte”, el arte secuencial que el maestro Will Eisner (The Spirit, Afán de vida, Contrato con Dios) ya hubiera declarado una década atrás en su tratado sobre la técnica del cómic.

En España nunca ha habido un reconocimiento del cómic como Arte, ni tan sólo como profesión seria. Cuántas veces un profesional del cómic habrá oído cosas como “va, en serio, a qué te dedicas?” o “y eso te da de comer?”.
La realidad es muy distinta. Nuestro país cuenta con grandes maestros del cómic (de los que próximamente hablaré en este blog) que han podido ganarse la vida gracias a su reconocimiento en el extranjero. Esto ocurre especialmente hoy día, en que hay una evidente desertización de publicaciones en nuestros quioscos.

No ocurre lo mismo en otros países, como Francia, con un tradición ancestral en cómic (bande dessineé), o en Estados Unidos, donde algunos dibujantes han sido verdaderos mitos en su país y fuera de él.
Pero hay artistas que están más allá de etiquetas, de ramas profesionales. Artistas completos, en definitiva.
Es el caso de Richard Vance Corben.

Nacido en Kansas, en el seno de un humilde familia de granjeros, empezó su carrera artística en la empresa de animación Calvin Communications, al tiempo que su lápiz hiperactivo paría historietas para fanzines underground, publicaciones muy extendidas en Estados Unidos en la segunda mitad de la década de los 60, que se publicaban en la clandestinidad debido a su contenido erótico y violento, además de tratar temas de drogas y denuncia política.
Además el poco tiempo que le quedaba lo dedicaba a completar una película que mezclaba imagen filmada con dibujos animados que realizó, dibujó y montó él mismo: Neverwhere.
Este cortometraje fue inspirador de la obra que le dió fama mundial y que le inició en los círculos del comic “overground”: DEN. La obra recibió
Hasta entonces intentó llevar adelante un fanzine dentro del ámbito underground llamado “FANTAGOR PRESS”, con menos fortuna que sus contemporáneos Robert Crumb o Rand Holmes.

Durante su época underground publicó historietas que más tarde han alcanzado el status de culto por diversos motivos. Una de las más relevantes en España quizá fuera “El amor del cojo Lem”, que fue publicada en el número 0 de Creepy, hoy cotizada en el mercado coleccionista a precio de azafrán, o también “Cidopey”, reconocida como la primera historieta underground a color. El grueso de la obra underground de corben se publicó en España dentro de la colección de obras completas que Toutain Editor.

Pero fue con la serie “DEN” cuando obtuvo el reconocimiento internacional y se afianzó en los círculos overground. De hecho, ya estaba tanteando el círculo profesional del cómic de la mano de Warren Publishing aceptando una propuesta suicida: entregar cada 6 semanas 22 páginas a color. Warren había quedado impresionado con los experimentos que Corben hacía con el color y dijo que quería una historia de Corben a color en cada una de sus revistas. mantuvo esa línea de producción durante seis meses. Fue en Warren donde conoció
DEN Esta serie, que actualmente consta de 5 volúmenes, aunque personalmente el que suscribe considere verdaderamente interesantes los dos primeros “Viaje al mundo de Nuncanada” y “Muvovum”, se publicó serializada en nuestro país en la revista 1984, de Toutain Editor y posteriormente en álbum en la misma editorial. Los dos primeros volúmenes suponen dos de las mejores obras gráficas jamás publicadas en cómic, aunque el particular estilo gráfico y narrativo de Corben siempre ha mantenido a crítica y público en división. Corben nunca ha dejado indiferente a nadie, teniendo seguidores y detractores a partes iguales.

A partir de entonces comenzó a publicar en las revistas más prestigiosas del momento, como “Heavy Metal” (en la película del mismo título se incluye una versión animada de “Den”, Creepy, Eerie (ambas de Warren Publishing), además de realizar ilustraciones para diversos magazines (Doubleday, Morning Star Press, A Feast unknown).
Como portadista ha realizado ilustraciones para varios libros y discos, de los que cabe destacar “Bat Out of the Hell”, De Meat loaf o “Bad for Good”, de Jim Steinman.

Cuando Corben se expresa en color lo hace con un dominio de los volúmenes y de las luces fuera de lo corriente, algunas veces al límite del hiperrealismo y otras de manera más sintetizada, intuitiva que combina el blaco y negro puro superpuesto al color. Den y Muvovum son un punto álgido en expresión en color, no sólo en el contexto de su obra sino en la historia del cómic en general.
Afortunadamente, en España pudimos ver editada la obra sin censura alguna. Y aparte de por lo obvio, digo afourtunadamente por haber visto verdaderas chapuzas en materia de censura en cómics, parches que muchas veces ni siquiera eran encargados al autor sino que eran colocados chapuceramente sobre las páginas.

En blanco y negro el dibujo de Corben es duro y tosco, agresivo, aunque posee su estilo inconfundible. las sombras y las luces se marcan en el más riguroso blanco y negro recortadas con verdadera pericia para conseguir volúmenes realistas.

A Corben se le ama o se le odia. No hay término medio. Algunos admiran su técnica del color, su capacidad para reproducir iluminaciones, su dominio del aerógrafo y últimamente del ordenador.
Corben es un experimentador compulsivo. Ha usado desde técnicas fotomecánicas de separación de colores hasta directos de aerógrafo, pasando por el retoque fotográfico y el collage.
Para la obra “Den” esculpió los personajes principales previamente para poder captar las luces correctamente, ya que la escultura es otra de sus habilidades.

Sus detractores argumentan que es capaz de hacer de una viñeta una obra arte y a la siguiente dibujar poco más que un monigote.
Otros opinan que su estilo es demasiado blando, sobre todo cuando trabaja en color, por los volúmenes suaves que proporciona el trabajo con aerógrafo, y en contrapartida hay a quien no le gusta el exceso de negro como trabajo previo al color.

Aún así, guste o no, Corben es Corben. Inconfundible aunque el tratamiento gráfico sea radicalmente distinto de una historieta a otra.
Su estilo le ha llevado a dibujar especiales de varios personajes legendarios del cómic de superhéroes, dándoles un estilo personalísimo, una visión diferente del personaje que, una vez más a algunos, más puristas del género, se les puede atragantar.
En su “galería de famosos” podemos encontrar a Hulk, The Punisher, Batman, Hellblazer o Aliens.

IMPRESCINDIBLES:

- DEN.
- DEN II (MUVOVUM)
- MUNDO MUTANTE
- BLOODSTAR
- PILGOR (BODYSSEY)
- JEREMY BROOD
- TRILOGÍA DEL TIEMPO
- TRILOGÍA DEL “NIÑO” (Ambas publicadas en “el maravilloso mundo ce Richard Corben”, Toutain Editor.
- LAS 1001 NOCHES
- VUELO A LA FANTASÍA (Una recopilación de sus primeros trabajos, biografía y portfolio con lo más destacable de su obra como portadista).

Conviene además dar un repaso a diversas historias cortas aparecidas en Creepy y Zona 84, de las que cabe destacar:

- Una historia gótica
- Rex y yo
- Una gran chica
- Cambio a mejor
- La bestia de wolfton
- El amor del cojo Lem
- In deep (profundo)
- La caída de la casa Husher

Y las historias de la colección Underground que aparecieron dentro de la serie Obras Completas, publicadas al igual que la mayor parte de su bibliografía en español, por Toutain Editor.

Web del autor: http://www.corbenstudios.com/

No dejéis de visitar la mayor web de consulta sobre la obra de Corben: http://www.muuta.net/

Lo mejor que he leído en mucho tiempo, y que estoy disfrutando de principio a fin, sin saltarme ni una palabra (porque lo estoy traduciendo XD) es “The walkind dead”, con guión de Alan Kirkman y dibujos de Tony Moore (hasta el número 6) y Charlie Adlard (el resto).

Es una serie hasta ahora sin final (lleva 21 números en USA y no se adivina ningún desenlace) que empieza como una historia de zombies típica, muy en la línea de Romero, con zombies putrefactos a montones, que cuenta la historia de un Rick Grimes, policía de una tranquila localidad americana que es tiroteado por un delincuente y despierta del coma en el hospital, plagado de zombies, un més más tarde.

Vale, vale, echa un tufo a “28 días después” que tira de espaldas, no?
Bueno, pues aquí acaban todas las analogías con esta película (muy buena, por cierto). En los primeros números la historia se desarrolla como un “survival horror” al uso, con sus zombies en masa, personajes variopintos y situaciones de una tensión muy conseguida.
Pero pronto vemos que la narración toma unos giros espectaculares, escalofriantes, que dejan con la boca abierta al lector, que acaba con una profunda sensación de frustración cuando ve que ya no quedan más páginas que leer, hasta el próximo número.

Contínuas y casi sorpresivas entradas y salidas de personajes ocurren con gran maestría narrativa (se nota que el Señor Kirkman sabe enganchar al personal) además de ser unos personajes perfectamente matizados, construídos de manera milimétrica para que cada uno cumpla su función en la historia, cosa que Kirkman consigue con creces.

Paulatinamente, se resta importancia a los zombies, a medida que los personajes se habitúan a ellos (y a su vez el lector) para convertirse en una historia más humana, pesimista en muchos momentos aunque su verdadera filosofía sea el instinto de supervivencia y el cómo nos afecta éste, física y psicológicamente.
Magistral a la evolución de los personajes a ambos niveles, en especial de Rick.

Quizá se le pueda achacar algunos puntos muertos en la narración, interludios intimistas que pueden interesar poco a algunos, pero necesarios sin duda si queremos hacernos con el carácter y la manera de ser de los personajes e introducirnos en los desvíos narrativos de manera nada traumática. Lo traumático lo dejamos para las generosas escenas gore, que son delicatessen para paladares exigentes.

Precisamente, es posible que lo más traumático para el lector sea el cambio de dibujante en el número 7, que pasa a ser Charlie Adlard. Creo que la masa sosial no se ha puesto todavía de acuerdo sobre quién es el dibujante más adecuado para esta serie, pero con el lápiz de Adlard bien afilado y ya a velocidad de crucero sobre esta serie, sería raro verla dibujada por otro dibujante (excepto por Tony Moore, que sigue dibujando las portadas, magistralmente)

El leit motiv de la historia respeta en muy buena medida la filosofía de la trilogía de Romero en lo que al origen de los zombies se refiere.
Lo omite, y lo deja a imaginación del lector (y de los personajes), dando escasísimas pistas en cuanto al por qué de este escalofriante “fin del mundo”.

Esta obra se edita ya en español, en retapados de 6 números. Ya está a la venta el tomo 1, que comprende los comic-books del 1 al 6, aunque la perodicidad no está definida, seguramente por la nefasta gestión de las colecciones de comics de Planeta.
Imaginaos… Cuando fui a comprar el primer tomo, el dueño de la tienda pensaba que era un “One shot” porque ni la distribuidora ni la editorial informaron de que se tratara de una serie regular! Así va el comic en este nuestro país! El tipo flipó cuando le dije que ya llevaba leídos 19 números de la edición USA.

En fin, de obligatoria lectura para todos los amantes del buen comic, aunque no gusten del universo zombie.



Portada de la recopilación “Los días pasados”, números del 1 al 6 de la serie.